Per chiudere in bellezza il mese del Pride, qua potete trovare altri dieci film queer in giro per il mondo, anche questa volta alla ricerca di qualche titolo meno conosciuto.

1. The Queen of My Dreams

Diretto da Fawzia Mirza

Pakistan, Canada 2023

Commedia drammatica, musical, coming-of-age

Presentato al Toronto International Film Festival 2023

Disponibile su Prime Video (abbonamento)

Toronto, 1999. Azra è una giovane lesbica che, dopo l’improvvisa morte del padre durante un viaggio in Pakistan, torna nel paese d’origine della sua famiglia per il funerale. Qui è costretta a confrontarsi con la madre Mariam, con la quale ha sempre avuto un rapporto complicato e conflittuale, anche a causa della sua identità. Esclusa dai rituali funebri in quanto donna, Azra si trova a ripercorrere la storia della propria famiglia attraverso una serie di flashback che iniziano nel 1969, a Karachi, quando Mariam stessa era giovane e ribelle.

Attraverso i colori e le atmosfere dei classici di Bollywood, con una menzione particolare ad Aradhana (1969, Shakti Samanta), questo film semi-autobiografico viaggia tra decenni e continenti per raccontare due generazioni di donne che, in epoche diverse, hanno lottato per la propria libertà allontanandosi dalle aspettative imposte dalla famiglia e dalla società. La storia è però ciclica, e madre e figlia si somigliano più di quanto entrambe vorrebbero ammettere.

2. The Party

Diretto da Sally Potter

Regno Unito, 2017

Commedia nera

Guild Film Prize al Festival di Berlino 2017

Disponibile su Prime Video (abbonamento) e Mymovies (abbonamento)

Janet ha appena ottenuto una nomina a ministro ombra della sanità e, insieme al marito Bill, decide di organizzare una piccola festa per celebrare il coronamento della sua carriera politica con pochi amici stretti: Tom, marito della sua assistente Marianne; le vecchie amiche April, con il fidanzato tedesco Gottfried, e Martha, con la compagna incinta di tre gemelli Jinny. All’arrivo degli ospiti, la festa prende una brutta piega, quando una serie di rivelazioni mette in discussione amore, amicizia e l’intero modo di vivere dei presenti, trasformando il salotto borghese in un campo di battaglia.

Una commedia claustrofobica, girata in bianco e nero interamente tra le mura della casa dei protagonisti. Con la sua breve durata (71 minuti), il film tiene lo spettatore incollato allo schermo grazie all’umorismo tagliente dei dialoghi, a un cast straordinario e ai continui colpi di scena che ne scandiscono il ritmo.

3. La fracture (Parigi, tutto in una notte)

Diretto da Catherine Corsini

Francia, 2021

Dramma, commedia

Queer Palm e Menzione Speciale dell’Association française des cinémas d’art et d’essai al Festival di Cannes 2021

Disponibile su Mediaset Infinity (abbonamento)

Raf e Julie sono una coppia di mezza età a un passo dalla separazione. Quando Raf si frattura un braccio, viene trasportata in un pronto soccorso al collasso, circondata dal caos di una notte di proteste dei gilet gialli.

Questo film si inserisce in un filone di cinema sociopolitico francese che, a partire dal 2018, ha raccontato la crisi economica del paese e le sue lotte sociali ― insieme a titoli come À plein temps (2021, Éric Gravel), Ouistreham (2021, Emmanuel Carrère) ed En Guerre (2018, Stéphane Brizé), per citarne solo alcuni tra i più significativi. Mescolando il dramma alla commedia a tratti nevrotica, si distingue dagli altri titoli per la scelta di utilizzare il microcosmo ospedaliero per riflettere le tensioni dell’intero paese, ma anche per il modo in cui fonde la frattura privata e sentimentale tra le due protagoniste con la crisi politica e sociale che si svolge appena fuori dalle porte del pronto soccorso.

4. Maja Ma

Diretto da Anand Tucker

India, 2022

Commedia romantica, dramma familiare, musical

Disponibile su Prime Video (abbonamento)

Pallavi Patel è la donna perfetta: devota al marito e alla famiglia, amata dalla comunità locale, dove è famosa per la sua cucina e, soprattutto, per il suo talento nella danza. La stabilità e la reputazione della famiglia Patel vengono messe in pericolo quando, alla vigilia della festa di fidanzamento del figlio, si diffonde un pettegolezzo sul passato della donna.

L’atmosfera festosa del Navratri fa da sfondo, offrendo un contrasto visivo tra i colori vibranti delle celebrazioni e il tormento interiore della protagonista. Alla guida del suo gruppo durante il Garba, la danza tradizionale del Gujarat, Pallavi muove il corpo con libertà a ritmo di musica, mentre la sua identità resta intrappolata. Questo è un film che parla di repressione del desiderio femminile, ma anche del percorso verso l’accettazione di sé, e che, nonostante le tematiche, mantiene i toni leggeri delle commedie romantiche di Bollywood.

5. L’origine du mal (Un vizio di famiglia)

Diretto da Sébastien Marnier

Francia, 2022

Thriller, noir

Presentato al Festival di Venezia 2022 nella sezione Orizzonti Extra

Disponibile su IWonderfull (abbonamento)

Stéphane è un’operaia che lavora in un conservificio e la cui identità è piena di incognite. Ha una compagna in carcere e un padre mai conosciuto, che sembra essere il ricco proprietario di una villa in Costa Azzurra. Accolta con diffidenza dalla moglie e dalla figlia dell’uomo, si trova presto invischiata in una rete di inganni, gelosie e ambizioni nascoste in cui nessuno è davvero quello che sembra.

Questo è indubbiamente un thriller che strizza l’occhio al cinema Claude Chabrol - impossibile non pensare a La Cérémonie - nel suo mettere a nudo ciò che si nasconde dietro le apparenze della borghesia, ma è anche una fiaba nera sulla fine del patriarcato. Al centro della storia troviamo un universo femminile costituito da legami complessi tra amanti, sorelle, sorellastre e nipoti, in cui l’unico uomo, il padre, è considerato la stessa origine del male. La sorellanza diventa quindi un tema centrale, insieme alla ricerca, da parte della protagonista, del proprio posto in una famiglia che non l’ha mai voluta.

6. Vergine Giurata

Diretto da Laura Bispuri

Albania, Italia, 2015

Dramma

Presentato in concorso al Festival di Berlino 2015

Disponibile su MUBI (abbonamento)

Nell’Albania rurale, Hana sfugge al matrimonio invocando una legge tradizionale, il Kanun: giura eterna verginità, prende il nome di Mark e si fa uomo, ottenendo gli stessi diritti e libertà, ma rinunciando alla femminilità e a qualsiasi forma di amore. Quando si trasferisce in Italia dalla sorella, il corpo e i desideri a lungo repressi tornano però a reclamare il proprio spazio.

Gettando luce su un antico e poco conosciuto fenomeno albanese, quello delle vergini giurate, questo film offre una riflessione intima sul rapporto con il proprio corpo, attraverso l’esplorazione dell’identità della protagonista, che in un percorso di riscoperta di sé rimane sospesa tra i due generi.

7. As boas maneiras (Good Manners)

Diretto da Juliana Rojas e Marco Dutra

Brasile, 2017

Horror, fantasy, musical

Premio speciale della giuria al Festival di Locarno 2017

Attualmente non disponibile per lo streaming

San Paolo del Brasile, Clara è un’infermiera solitaria della periferia, che viene assunta dalla ricca e misteriosa Ana per prendersi cura del suo bambino che nascerà a breve. Contro ogni aspettativa le due donne stringono un forte legame che da amicizia si trasforma in un forte desiderio reciproco, ma le loro vite vengono stravolte in una notte di luna piena.

Una vera gemma nascosta del cinema horror-fantasy, questo film, ispirato a una leggenda metropolitana brasiliana, supera i limiti del genere cinematografico, affacciandosi anche nel musical e nell’animazione. Una storia di licantropi è il pretesto per un’analisi della società brasiliana contemporanea in un film che sfrutta questa ricca cornice per raccontare l’isolamento, la maternità e le differenze di classe.

8. La llamada

Diretto da Javier Calvo e Javier Ambrossi

Spagna, 2017

Musical, commedia drammatica

Attualmente non disponibile per lo streaming

In un campeggio estivo gestito da suore le ribelli María e Susana vengono punite dopo essere scappate nella notte per partecipare ad un concerto e sono costrette a trascorrere un fine settimana insieme alla madre superiora Bernarda e alla giovane ed insicura suor Milagros. Quando Maria inizia a vedere Dio che canta canzoni di Whitney Houston, Madre Bernarda non sembra poterla aiutare, visto che le preghiere che le suggerisce non sono gradite da Dio, che preferisce la musica tecnolatina. Intanto Susana confessa il proprio amore a Milagros, che sembra ricambiare.

Tratto dall’omonima opera teatrale, firmata dagli stessi Javis (per chi ancora non li conoscesse, sono i registi che hanno trionfato anche al Festival di Cannes 2026 con La Bola Negra) è una commedia camp che utilizza la religione e la musica pop come mezzo per parlare di amore e libertà.

9. Des Preuves d’amour (Love Letters)

Diretto da Alice Douard

Francia, 2025

Commedia drammatica

Presentato Festival di Cannes 2025 nella sezione parallela della Settimana internazionale della critica

Al cinema dal 2 luglio

Il 17 maggio 2013, con 331 voti favorevoli e 225 contrari, la Francia approva la Loi Taubira e legalizza il matrimonio tra persone dello stesso sesso. Un momento storico che apre anche alla possibilità di adozione da parte di coppie omosessuali, un territorio fino a quel momento inesplorato che prospetta per i futuri genitori un percorso non privo di ostacoli. Un anno dopo, Céline aspetta il suo primo figlio, ma non è lei a essere incinta: a portare avanti la gravidanza è sua moglie Nadia, che darà alla luce la loro bambina dopo pochi mesi. Agli occhi della legge, Céline non è ancora madre. Per diventarlo dovrà affrontare una complessa procedura di adozione, raccogliendo lettere di testimonianza di amici e familiari che attestino la sua idoneità come madre, una di queste la madre Marguerite, con la quale cercherà di ricostruire un rapporto.

Il cinema francese lo scorso anno ha esplorato il tema della maternità per le donne queer - Love Me Tender (2025, Anna Cazenave Cambet) e Les enfants vont bien (2025, Nathan Ambrosioni) - e questa commedia si inserisce naturalmente all’interno di questo filone narrativo, raccontando con delicatezza la genitorialità attraverso paure e i dubbi, ma anche l’amore e quei legami affettivi che vanno oltre la dimensione biologica e il peso del loro riconoscimento istituzionale.

10. Mi querida señorita

Diretto da Fernando González Molina

Spagna, 2026

Dramma romantico

Disponibile su Netflix (abbonamento)

Adela ha 25 anni, è l’unica figlia di una famiglia conservatrice nella Spagna degli anni ‘90. Trascorre le sue giornate solitarie tra il negozio di antiquariato a gestione familiare e le lezioni di catechismo, soffocata dall’iperprotezione della madre e dal silenzio che da sempre circonda la sua intersessualità. L’amicizia inaspettata con il nuovo sacerdote e l’arrivo di una donna che le farà scoprire per la prima volta il desiderio innescano una reazione a catena che la porterà in un viaggio da Pamplona a Madrid alla scoperta di sé.

Liberamente ispirato all’omonimo classico di Jaime de Armiñán (1972) questo film affronta con una sensibilità unica le tematiche che nell’opera originale erano accennate, accompagnando lə protagonista in un percorso alla scoperta della propria identità e di ciò che significa esistere liberamente, senza vergogna.

Il mese del Pride è l'occasione perfetta per esplorare anche gli angoli meno battuti del cinema queer e avventurarsi un po' oltre i classici titoli che circolano ogni anno, in un panorama che spazia tra generi diversi e offre storie per tutti i gusti.

In questa lista troverete una piccola selezione che parte dalla Francia, passa per il Marocco, la Norvegia, l’India, il Brasile e la Corea del Sud, per arrivare fino in Italia.

1. La Petite Dernière (La più piccola)

Diretto da Hafsia Herzi

Francia, 2025

Coming-of-age

Prix d'interprétation féminine e Queer Palm al Festival di Cannes 2025

Distribuito nei cinema italiani ad aprile 2026, non è ancora disponibile per la visione in streaming (ma sicuramente lo sarà presto)

Tratto dal romanzo autobiografico di Fatima Daas, questo film di formazione racconta la storia di una ragazza di origini algerine, lesbica e musulmana praticante. Un percorso intimo che esplora la complessità delle sue radici e delle molteplici identità che convivono in lei, accompagnandola in un viaggio verso la scoperta di sé e l'autodeterminazione.

In Italia questo film è stato vietato ai minori di 14 anni, un trattamento che non ha ricevuto nel resto del mondo. Una scelta ingiustificata che dice tanto sull'arretratezza del nostro Paese e riflette un problema molto più ampio: il rifiuto sistematico verso qualsiasi forma di educazione sessuo-affettiva.

2 . Le Bleu du caftan (Il caftano blu)

Diretto da Maryam Touzani

Marocco, Francia, 2022

Dramma romantico

Premio FIPRESCI (Un Certain Regard) al Festival di Cannes 2022

Disponibile su Prime Video (abbonamento)

Halim e Mina gestiscono con dedizione una sartoria tradizionale specializzata in caftani fatti a mano nel cuore della medina di Salé, in Marocco. Il giovane apprendista Youssef entra nelle loro vite con il desiderio di imparare l’arte del ricamo, sconvolgendo l'equilibrio della coppia. Il legame che si forma tra lui e Halim costringe entrambi a fare i conti con i desideri a lungo repressi, mentre Mina continua ad amare il marito senza chiedere nulla in cambio.

La raffinatezza dei ricami e i colori saturi dei caftani diventano il riflesso dell'interiorità dei personaggi, che intrecciano una trama delicata capace di raccontare l’affetto in tutte le sue forme. La bellezza di questo film risiede nell’intimità degli sguardi trattenuti e dei piccoli gesti delle mani, che raccontano una realtà in cui l’amore omosessuale non può essere espresso apertamente, ma che non viene mai dipinto come una tragedia.

3. Les Cinq Diables (The Five Devils)

Diretto da Léa Mysius

Francia, 2022

Fantasy, dramma familiare

Presentato al Festival di Cannes 2022 nella sezione Quinzaine des Réalisateurs

Disponibile su MUBI (abbonamento)

Vicky ha dieci anni e possiede il misterioso dono di replicare e collezionare ogni profumo che incontra, incluso quello di sua madre, per cui prova un amore viscerale. Quando la zia Julie torna nelle loro vite, Vicky ne riproduce l’odore e viene trasportata in un passato che non le appartiene. Attraverso visioni inquietanti, la bambina si trova a rivivere esperienze traumatiche e a portare alla luce segreti sepolti del suo villaggio, della sua famiglia e della propria identità.

Immerso in un’atmosfera sospesa tra magia e realismo, questo dramma familiare racconta il desiderio, il pregiudizio, la vendetta e il senso di colpa. I quattro elementi naturali - fuoco, acqua, terra e aria - diventando il motore della narrazione, attraverso una forte componente visiva, grazie anche a una fotografia straordinaria capace di renderne la visione un'esperienza immersiva.

4. Les Chansons d'amour (Love Songs)

Diretto da Christophe Honoré

Francia, 2007

Musical, dramma romantico

Presentato in concorso al Festival di Cannes 2007

Disponibile su Plex (gratuito)

Julie convive a Parigi con il fidanzato Ismaël e, piuttosto che preoccuparsi del tempo che lui trascorre con la collega Alice, la invita a unirsi a loro. Il delicato equilibrio di questo ménage à trois viene però minacciato da una tragedia improvvisa, che metterà Ismaël di fronte al vuoto. Sarà l'incontro inaspettato con il giovane Erwann a rompere l’isolamento, offrendo ancora una volta spazio a un amore fluido che non necessita di definizioni.

Un film che è un omaggio al cinema di Jacques Demy, in particolare a Les Parapluies de Cherbourg, da cui ricalca anche la struttura in tre capitoli. È un musical realista che racconta la quotidianità senza promettere il lieto fine, in cui la melodia diventa il mezzo attraverso cui i personaggi riescono a esprimere il proprio dolore.

5 . Drømmer (Dreams)

Diretto da Dag Johan Haugerud

Norvegia, 2024

Coming-of-age

Orso d'oro al Festival di Berlino 2025

Disponibile su MUBI (abbonamento)

Una quindicenne si innamora perdutamente della sua insegnante di francese e racconta le sue fantasie nel proprio diario. Lo fa così bene che sua madre e sua nonna pensano che dovrebbe pubblicarlo come romanzo.

Terza lettera d'amore a Oslo da parte del regista, a metà tra l'onirico e la realtà, questo film racconta l'adolescenza in un modo incredibilmente realistico, trasformando un'infatuazione giovanile in estasi creativa.

6 . Miséricorde (L'uomo nel bosco)

Diretto da Alain Guiraudie

Francia, 2024

Thriller, commedia nera

Miglior film del 2024 per i Cahiers du Cinéma

Disponibile su MUBI (abbonamento)

Il disoccupato Jérémie torna a Saint-Martial per il funerale del suo vecchio capo, il proprietario di una panetteria, ma decide di trattenersi anche dopo le esequie, infiltrandosi con nonchalance nella famiglia del suo mentore. Tra colonie di funghi e chiacchiere annaffiate da una buona dose di pastis, un omicidio e l'ambigua infatuazione di un prete, la sua presenza finisce per alterare gli equilibri della comunità.

Il paesaggio bucolico diventa la cornice perfetta per questo racconto oscuro, intriso di un’ironia perversa e surreale. Sotto l’apparente tranquillità della provincia si nasconde un universo dominato dal peccato, in cui fanno da padroni il desiderio, l’invidia, ma anche la vergogna. Un film che non ha paura di essere sfacciatamente strano, incarnando quella eccentricità che solo il cinema francese riesce a regalare.

7 . Badhaai Do

Diretto da Harshavardhan Kulkarni

India, 2022

Commedia romantica

Disponibile su Netflix (abbonamento)

Shardul Thakur, un poliziotto gay, e Suman “Sumi” Singh, un'insegnante di educazione fisica lesbica, si incontrano quasi per caso e decidono di sposarsi per placare le pressioni delle loro famiglie e i sospetti sulla loro omosessualità. La situazione si complica quando, al ritorno dal viaggio di nozze, la nuova fidanzata di Sumi si trasferisce a casa loro.

Il lavender marriage (matrimonio di convenienza) è il punto di partenza per una commedia degli equivoci che affronta con leggerezza tematiche importanti come l'identità, la famiglia, l'accettazione e il coming out.

8. O Último Azul (Il sentiero azzurro)

Diretto da Gabriel Mascaro

Brasile, 2025

Road-movie, distopico

Orso d'argento Gran Premio della Giuria al Festival di Berlino 2025

Disponibile su Mymovies (abbonamento)

Tereza, 77 anni, ha trascorso tutta la sua vita in una piccola città del Brasile, fino a quando il governo la obbliga a trasferirsi in una delle colonie residenziali per anziani, aree isolate in cui vengono portati per “godersi” gli ultimi anni della loro vita, liberando le giovani generazioni dal loro accudimento per potersi concentrare su produttività e crescita. Tereza rifiuta questo destino e decide di fuggire per intraprendere un viaggio di riscoperta attraverso il Rio delle Amazzoni e i suoi affluenti. Nel suo cammino troverà anche qualcosa di più.

I colori vibranti del Brasile amazzonico accompagnano la storia di questa donna alla ricerca della propria libertà, mossa dalla volontà di scegliere come vivere il tempo che le resta. Seppur ambientato in un futuro distopico, questo film è uno specchio della società contemporanea, mette in discussione il valore attribuito alla produttività e riflette sulla vecchiaia e sopratutto sul diritto all'autodeterminazione.

9. 윤희에게 Yunhui-ege (Moonlit Winter)

Diretto da Lim Dae-hyung

Corea del Sud, 2019

Dramma romantico

Disponibile su Prime Video (abbonamento)

Yoon-hee vive con sua figlia Sae-bom. Durante una giornata invernale la donna riceve una lettera dal Giappone che viene accidentalmente intercettata e letta dall'adolescente, che scopre del primo amore di sua madre, di cui non aveva mai parlato prima. Le due decidono così di intraprendere un viaggio in Giappone, nella regione dell'Hokkaidō.

Un film di una delicatezza unica, all'interno di bellissimi paesaggi innevati si fanno spazio i sentimenti che non riescono a trovare la loro espressione nelle parole, eppure si percepiscono in ogni inquadratura.

10 . Favola

Diretto da Sebastiano Mauri

Italia, 2017

Camp, commedia drammatica

Disponibile su Raiplay (gratuito)

Negli anni Cinquanta Mrs Fairytale e la sua migliore amica e vicina di casa Mrs Emerald sono due casalinghe che conducono un’esistenza borghese apparentemente ordinaria. Tra lezioni di mambo, baci rubati e invasioni aliene, si nasconde un enorme segreto.

Tratto dall'omonima opera teatrale scritta e interpretata da Filippo Timi, questo film nasce come manifesto queer che esplora l'amore tra donne e l'identità di genere, stravolgendo le convenzioni sociali dell'epoca in cui è ambientato. L'estetica nostalgica del melodramma americano anni Cinquanta viene portata agli estremi, con costumi e dettagli che danno colore allo stato d'animo dei personaggi ― e una scenografia da Favola.

Non mi resta che augurarvi un buon Pride Month e una buona visione.

*Il film della prima immagine è The Watermelon Woman (1996, Cheryl Dunye)

Non è un segreto che molte donne ancora oggi verrebbero bruciate al rogo se i processi alle streghe fossero ancora in auge. È questa la tesi di fondo su cui Elizabeth Sankey costruisce il suo documentario, Witches, un'opera che attraverso la storia del cinema esplora il tema della salute mentale e della maternità, con un particolare focus sulle storie di donne che hanno dovuto affrontare una depressione e psicosi post partum, partendo dall'esperienza personale della regista stessa.

“As a little girl, like so many little girls, I wanted to be a witch.”

Witches nasce dall'ossessione infantile della regista per quelle figure femminili che la storia ha demonizzato. Un immaginario che affonda le sue radici nel Medioevo e si consolida tra il XV e il XVII secolo, quando i processi alle streghe imperversano in Europa. Le donne accusate di stregoneria erano spesso madri, vedove, guaritrici o semplicemente chiunque vivesse ai margini della società. La figura della strega si è trasformata così nella proiezione di tutte le paure che il patriarcato nutriva verso l'universo femminile.

Questa idea è sopravvissuta nei secoli, arrivando alla cultura popolare, anche grazie al cinema che ha contribuito a fissare l'immagine della strega come creatura mostruosa, seducente, pericolosa. Ma come insegna Wicked, partendo dal romanzo di Gregory Maguire, passando per il musical, per arrivare alla sua trasposizione cinematografica, la realtà è molto più complessa delle apparenze e la cosiddetta strega malvagia dell'Ovest è una figura tragica e profondamente fraintesa.

È proprio questa rilettura ciò che costituisce il cuore del documentario. Attraverso la forma del video essay, già utilizzata nei suoi precedenti lavori Romantic Comedy (2019) e Boobs (2022), la regista attinge da un ampio archivio cinematografico e televisivo per raccontare il suo ricovero in un reparto psichiatrico dopo la nascita del figlio, i pensieri intrusivi, l'insonnia, la dissociazione dalla realtà, tutti sintomi di una sindrome molto diffusa che viene troppo spesso sottovalutata o liquidata come semplice baby blues.

Le immagini dei film vengono alternate alle testimonianze di altre donne che hanno vissuto esperienze simili e alle voci di accademici e professionisti della medicina e della salute mentale che aiutano a contestualizzare il modo in cui la società ancora oggi continua a stigmatizzare il dolore femminile.

È nel genere horror che la regista trova un archivio emotivo capace di riflettere il senso di alienazione che ha provato. Elizabeth Sankey racconta che il suo vissuto poteva essere illustrato solamente attraverso quel tipo di film: corpi posseduti, case infestate, madri terrorizzate e donne sull'orlo della follia. Un ventaglio di immagini che, più di qualsiasi altro linguaggio, l'hanno aiutata a dare forma alle sue paure sulla perdita di controllo.

Il percorso cinematografico parte da The Wizard of Oz (1939, Victor Fleming) per arrivare al contemporaneo The VVitch (2015, Robert Eggers), attraversando decenni di rappresentazioni femminili nel cinema. Nel montaggio del documentario compaiono infatti The Craft (1996, Andrew Fleming), Rosemary’s Baby (1968, Roman Polański), Girl, Interrupted (1999, James Mangold), Häxan (1922, Benjamin Christensen), Changeling (2008, Clint Eastwood), Hungry Hearts (2014, Saverio Costanzo), Bell, Book and Candle (1958, Richard Quine), Practical Magic (1998, Griffin Dunne) e The Blair Witch Project (1999, Daniel Myrick e Eduardo Sánchez), in un collage che dimostra anche quanto l’immaginario della strega possa attraversare registri completamente diversi, partendo dall’horror per arrivare alla commedia.

Tra le opere citate da Elizabeth Sankey ci sono anche Inferno (1980, Dario Argento), con la sua atmosfera allucinata, forse ancora più estrema rispetto a quella di Suspiria (1977), The House of the Devil (2009, Ti West), omaggio ai satanic panic movie degli anni Settanta, The Juniper Tree (1990, Nietzchka Keene), fiaba folk islandese in bianco e nero con una giovanissima Björk, ma anche Teen Witch (1989, Dorian Walker) ed Extra Ordinary (2019, Mike Ahern e Enda Loughman).

Uno dei film che hanno contribuito maggiormente alla costruzione estetica e tematica di Witches è The Snake Pit (1949, Anatole Litvak), dramma psicologico tratto dal romanzo semi-autobiografico di Mary Jane Ward, che vede una straziante Olivia de Havilland nel ruolo di una donna internata in un ospedale psichiatrico senza ricordare come ci sia arrivata. Nonostante il film sia stato realizzato ottant'anni fa, la regista ha rivisto nell'esperienza della sua protagonista quella vissuta da lei stessa e dalle altre donne che vengono raccontate in Witches. È un film che mostra quanto la follia sia associata storicamente all'esperienza femminile.

Tra le influenze più forti c’è poi Possession (1981, Andrzej Żuławski), un ritratto devastante di una coppia che si disgrega, ispirato al divorzio traumatico del regista, ed è forse il film che più di tutti riesce a incarnare il caos emotivo raccontato da Witches. Isabelle Adjani offre una delle interpretazioni più estreme della storia del cinema, restituendo una femminilità rabbiosa, che si ricollega direttamente all'idea culturale secondo cui le donne debbano sempre essere materne e rassicuranti, nascondendo qualsiasi forma di oscurità emotiva per poter essere accettate.

Anche I Married a Witch (1942, René Clair) occupa un ruolo importante nell'immaginario evocato da Witches. Veronica Lake veste i panni di una strega reincarnata secoli dopo essere stata condannata durante i processi di Salem, decisa a rovinare la vita del discendente del suo accusatore, per poi innamorarsene. Quella che in superficie appare come una commedia romantica leggera nasconde uno dei modelli più classici della rappresentazione cinematografica della strega: una donna il cui potere viene controllato da un uomo.

Diverso è invece il discorso portato avanti da The Witches of Eastwick (1987, George Miller), considerato dalla regista uno dei film fondamentali per la sua formazione. È un'opera in cui il potere femminile viene espresso finalmente senza vergogna, attraverso un trio magnetico di protagoniste formato da Cher, Susan Sarandon e Michelle Pfeiffer. È un film che mostra quanto la società continui a percepire come una minaccia una donna che non si lascia addomesticare da una figura maschile, ma allo stesso tempo celebra quella forza collettiva che nasce dalla solidarietà tra donne.

“Every witch needs a coven.”

Witches è anche, e forse soprattutto, un film che parla di sorellanza.

A salvare Elizabeth Sankey nel suo momento più buio è stato infatti un gruppo WhatsApp di madri che provavano sentimenti simili ai suoi, se non peggiori, dando vita a quella che può essere definita una forma contemporanea di congrega, in cui queste donne hanno trovato un luogo di condivisione per i propri traumi, lontano dal giudizio della società.

La strega attraversa così secoli di storia e ribalta finalmente l'immaginario popolare, diventando il simbolo di una resistenza collettiva e trasformando il suo dolore individuale in un’esperienza condivisa.

Witches è stato presentato al Tribeca Film Festival nel 2024 ed è disponibile per la visione su MUBI Italia.

Verso la fine dell'estate sceglie di condividere apertamente con l'ex marito il fatto di avere relazioni con altre donne, e quello che sembrava un rapporto civile si incrina rapidamente, trasformandosi in uno scontro in cui Paul diventa un’arma. Laurent inizia ad allontanarlo dalla madre, a sfruttare il suo risentimento come leva contro di lei, fino ad arrivare a una richiesta di affido esclusivo, sostenendo che lo stile di vita di Clémence la renda inadatta e pericolosa per il figlio.

Da quel momento la vita di Clémence va in pezzi: anni di tribunali, valutazioni psicologiche e incontri mediati in cui ogni aspetto della sua vita finisce sotto la lente d’ingrandimento, diventando oggetto di giudizio. Un processo logorante, alimentato da un sistema che strizza l'occhio a dinamiche misogine e omofobe ancora profondamente attuali, e che la costringe a difendere non solo il suo diritto di essere madre, ma anche quello di restare una donna libera, capace di scegliere la propria vita senza dover essere condannata per questo.

Love Me Tender è il secondo lungometraggio di Anna Cazenave Cambet (già vincitrice della Queer Palm nel 2016 con il cortometraggio Gabber Lover) ed è l’adattamento dell'omonimo romanzo autobiografico di Constance Debré. La regista ha scelto di rispettare con grande fedeltà l'opera originale, conservandone la natura intima e lasciando che alcune parti della storia emergano direttamente dalla scrittura della protagonista, attraverso la voce fuori campo di Clémence che attraversa l'intero film.

Anna Cazenave Cambet dirige un intenso ritratto femminile, mettendo al centro una protagonista incredibilmente umana in tutte le sue sfaccettature: una donna che tenta di conciliare il desiderio di autodeterminazione e una maternità che sfida le norme sociali e i pregiudizi ancora fortemente radicati nella società contemporanea. Questa dualità trova la sua espressione in scelte visive e sonore ben precise: la quiete della piscina contrapposta al caos dei club e della vita notturna, le due dimensioni che coesistono senza mai escludersi, come i due mondi che convivono dentro di lei.

Clémence è una donna in cui esistono molteplici identità, e a prestarne voce e corpo c'è la straordinaria Vicky Krieps, che sorregge l'intero film con una silenziosa intensità. Ciò che colpisce della sua interpretazione è la quasi totale assenza di isteria: quella sofferenza che non l'abbandona mai - mentre flirta con un'altra donna, mentre nuota, scrive, balla - ma è anche un dolore che non esplode mai in scena. È una performance che rifiuta lo stereotipo del melodramma, della donna distrutta e sceglie una resistenza silenziosa, che rende tutto ancora più devastante.

Il film si inserisce con naturalezza in un momento particolarmente fertile per le voci femminili nel cinema francese contemporaneo, richiamando l'attenzione al desiderio e alla fisicità nel cinema di Céline Sciamma, e dialogando, seppur con registri diversi, con opere come Titane di Julia Ducournau e L'événement (La scelta di Anne) di Audrey Diwan, che raccontano in modi diversi la rivendicazione del proprio corpo.

È inevitabile il confronto con Anatomie d'une chute (Anatomia di una caduta) di Justine Triet, film con cui Love Me Tender condivide la narrazione di una macchina giudiziaria che mette a processo la vita privata di una donna, osservandola, giudicandola, fino a pretendere di definirla. Se in Anatomie d'une chute il conflitto si esprime principalmente attraverso il dibattito serrato nell'aula di un tribunale, Love Me Tender abbandona il tribunale e preferisce una dimensione più intima, navigando le conseguenze piuttosto che lo scontro frontale.

Il film di Anna Cazenave Cambet esplora il tema della maternità, entrando in risonanza anche con opere come Des Preuves d'Amour di Alice Douard (presentato al Festival di Cannes lo stesso anno, arriverà prossimamente al cinema in Italia) in cui una coppia queer deve dimostrare la propria legittimità come famiglia. Entrambi i film offrono una prospettiva distinta ma complementare su ciò che significa essere madre e lesbica, con le sue difficoltà ma anche con tutto l’amore e tenerezza.

C'è qualcosa di profondamente doloroso in questo film, nel modo in cui racconta l'estenuante necessità di doversi giustificare, come madre, donna, artista. È un’esperienza universale, ma per una donna queer questo peso si moltiplica, perché non si tratta esclusivamente di difendere le proprie scelte ma di affermare il proprio diritto di esistere. È un concetto che fa pensare al monologo di Carol di fronte agli avvocati nel film omonimo di Todd Haynes “What use am I to her, to us, living against my own grain?” (“A cosa servo a lei, a noi, se vivo contro la mia stessa natura?”). È esattamente questa stanchezza che Love Me Tender riesce a restituire con una rara onestà, attraverso uno sguardo sensibile e mai giudicante.

Presentato nella sezione Un Certain Regard al Festival di Cannes 2025 e al Rendez-vous Festival del Nuovo Cinema Francese, Love Me Tender sarà distribuito nelle sale italiane a partire dal 23 Aprile.

Attorno al 2010, l’anziana e ricchissima erede dell'impero L'Oréal, Liliane Bettencourt, fu protagonista delle cronache francesi per un intricato caso giudiziario che la vide contrapporsi alla figlia Françoise Bettencourt-Meyers. La vicenda, nota come Affaire Bettencourt, esplose quando la figlia denunciò il fotografo François-Marie Banier, accusandolo di aver manipolato la madre per ottenere donazioni per centinaia di milioni di euro.

Lo scandalo arrivò a coinvolgere anche l'allora presidente Nicolas Sarkozy, in seguito a rivelazioni su presunti finanziamenti illeciti alla sua campagna elettorale. Tra registrazioni clandestine, intrighi familiari e segreti rivelati pubblicamente, quella che poteva essere la trama di un romanzo giallo, si trasformò in uno dei più clamorosi scandali della Francia contemporanea. Il processo si concluse con la condanna di Banier e con l’interdizione di Bettencourt, affidata alla tutela dei familiari fino alla sua morte nel 2017.

Figura incredibilmente controversa e, proprio per questo, affascinante, Liliane Bettencourt riuscì a governare un impero industriale e a diventare la donna più ricca del mondo. Ed è proprio a questo caso di cronaca che si ispira liberamente e esplicitamente il film del regista Thierry Klifa, La Femme la plus riche du monde (in uscita in Italia con il titolo La donna più ricca del mondo). È così che Liliane diventa Marianne, la figlia Françoise si trasforma in Frédérique e il fotografo seduttore François-Marie prende il nome di Pierre-Alain: cambiano i nomi, il brand, perfino il decennio, ma la sostanza resta pressoché identica.

Nonostante ciò, Klifa evita il biopic e trasforma lo scandalo in una tragedia universale, mescolando i toni del thriller psicologico alla commedia satirica, per offrire una riflessione sul denaro e, soprattutto, sul vuoto che questo lascia. Pur adottando a tratti una narrazione che richiama l'inchiesta giornalistica, anche attraverso gli intervalli in cui la storia viene spezzata dalle interviste degli stessi personaggi su sfondo nero, il regista rincuncia a una semplice ricostruzione dei fatti e preferisce indagare su ciò che si nasconde dietro. Si tratta, in fondo, di una storia di cui tutti conoscono la fine, ma non come è iniziata. Per questo motivo decide di entrare “dalla porta di servizio” e esplorare l'intimità familiare, anziché soffermarsi sulla dimensione pubblica dello scandalo e sulle vicende giudiziarie.

Ciò che emerge è un ritratto spietato ed elegante dell’alta borghesia attraverso i segreti inconfessabili di quel mondo privilegiato che spesso affonda le sue radici anche in zone d'ombra storiche, come il collaborazionismo e l’antisemitismo.

La narrazione visiva riflette la gabbia in cui è costretta la protagonista, attraverso il lusso austero tipico della borghesia, in un universo che ostenta in modo sterile, uno spazio in cui Marianne stessa diventa parte dell'arredamento. Questo equilibrio, anche dal punto di vista estetico, viene scosso dall'arrivo di Pierre-Alain che, con la sua irriverenza, le scompiglia i capelli, le impone un cambio d'abito e rompe la rigidità, portando colori vivaci, metaforicamente e visivamente.

Marianne ha tutto, denaro, influenza, potere, ma la sua vita è fatta di apparenze e solitudine. Potrebbe comprare qualsiasi cosa, tranne non ciò che desidera davvero: l'amore. Tutto cambia quando incontra il fotografo e scrittore Pierre-Alain. Il film indaga così anche all'origine di questa relazione così ambigua e libera da ogni convenzione, cercando di comprenderne le dinamiche più profonde, senza limitarsi a rappresentare la fragilità della protagonista così come era stata dipinta dalle cronache.

La “donna più ricca del mondo” nel titolo è una Isabelle Huppert che ancora una volta sorprende per la sua capacità nel restituire le contraddizioni di un personaggio così complesso: una donna rigida e solitaria che scopre la libertà, arrivando a mettere egoisticamente al centro la propria gioia di vivere, fino a essere percepita come vittima. Un ruolo che si discosta in parte dal suo repertorio, ma che richiama fortemente alcune delle tematiche viste ne La Cérémonie (Il buio oltre la mente) di Claude Chabrol, film con cui condivide la spietata analisi dei rapporti di classe e delle dinamiche familiari.

A tenerle testa c'è un’intensa Marina Foïs, nel ruolo tragico di una figlia che improvvisamente si rende conto che sua madre è capace di amare, semplicemente non è mai stata capace di amare lei. Completa il trio di protagonisti uno straordinario Laurent Lafitte, nei panni dell'eccentrico fotografo, interpretazione che gli ha permesso di vincere un César come miglior attore protagonista.

Se cercate un film che faccia ridere ma anche pensare, La Femme la plus riche du monde fa sicuramente al caso vostro, perché sceglie la satira per parlare di tematiche serie e sempre attuali come denaro, potere e libertà.

Presentato Fuori Concorso allo scorso Festival di Cannes e in anteprima italiana in apertura della sedicesima edizione del Rendez-vous Festival del Nuovo Cinema Francese, sarà distribuito nelle sale italiane a partire dal 16 aprile.

Il riff inconfondibile di Psycho Killer dei Talking Heads esplode nei titoli di apertura, offrendo una chiara dichiarazione di intenti da parte della regista, Rebecca Zlotowski. Una canzone leggera, come forma di resistenza alla pesantezza, introduce perfettamente il tono del film: una storia in cui si parla - anche - di morte e dolore, ma senza rinunciare all’ironia.

Presentato Fuori Concorso alla 78ª edizione del Festival di Cannes e in anteprima italiana nella sezione Gran Public della Festa del Cinema di Roma, Vie Privée (in uscita in Italia con il titolo Vita Privata) è un thriller psicologico che incontra la commedia familiare in un incrocio di generi che si amalgamano naturalmente tra loro.

Lilian Steiner è una psicanalista americana perfettamente integrata nell’ambiente della borghesia parigina. Separata dal marito Gabriel e con un rapporto difficile con il figlio Julien, conduce una vita ordinata, rigida. Ha l'abitudine di registrare ogni seduta: lo fa per timore di perdere qualcosa perché i suoi pazienti parlano francese? O forse perché, in realtà, non li ascolta davvero? I loro problemi appaiono frivoli, indistinti, e finiscono per confondersi con il rumore bianco che fa da sottofondo alla sua vita privata.

Le sue certezze iniziano a vacillare quando una dei suoi pazienti, Paula, in terapia con lei da nove anni, viene a mancare. La notizia la turba al punto da scatenare una serie di reazioni emotive e fisiche a catena. Lilian non riesce più a distinguere le emozioni dalle proiezioni e, ossessionata da quanto accaduto, si improvvisa detective, e indaga su quello che sospetta non essere un semplice suicidio, arrivando perfino a dubitare di se stessa.

Quando Lilian non riesce a smettere di lacrimare, incapace di tenere a bada un sintomo che non sa spiegare, si sottopone a una seduta di ipnosi e la storia cambia repentinamente registro, affacciandosi nel surreale, attraverso un viaggio nell’inconscio della protagonista e una serie di visioni oniriche, quasi felliniane.

Selezionata da The Hollywood Reporter tra i 25 migliori interpreti del 2025, Jodie Foster è il vero punto di forza di questo film. È sempre una gioia vederla sul grande e schermo, questa volta con un francese impeccabile, porta in scena il ritratto di una donna complessa, in piena crisi, lasciando trasparire tutte le nevrosi e fragilità del suo personaggio. La sua interpretazione viene esaltata dal suo partner di scena, Daniel Auteuil che, nei panni dell'ex marito oftalmologo, diventa la spalla comica e trasforma la loro dinamica in una sorta di commedia di rimatrimonio.

A completare questa rete di relazioni un cast di stelle del cinema francese: Virginie Efira, che con la sua assenza, diventa il motore invisibile della narrazione, una presenza che continua a perseguitare la sua terapista; Mathieu Amalric, nel ruolo dell’ambiguo vedovo, i cui silenzi enigmatici e stranezze lo rendono perfetto come sospetto e sospettato; ultimo ma non meno importante, Vincent Lacoste, il figlio quasi dimenticato dalla protagonista.

Rebecca Zlotowski abbraccia alcune delle tematiche più amate dal cinema francese contemporaneo: il lutto come pretesto per l’introspezione e la fragilità della borghesia intellettuale, partendo da quello che resta il suo terreno privilegiato, le dinamiche familiari ― come già dimostrato nel suo lungometraggio precedente, Les Enfants des autres (I figli degli altri).

Con questo film, la regista francese si affaccia per la prima volta nel giallo, divertendosi con i clichè del genere e giocando con le aspettative del pubblico. Non si tratta di un thriller ad alta tensione ma, piuttosto, di uno psicodramma che riesce comunque a mantenere un ritmo incalzante, scandito dalla colonna sonora e, sorpattutto, dalla brillante sceneggiatura firmata della stessa regista insieme ad Anne Berest, in cui non manca l’umorismo. Pop e snob allo stesso tempo, come solo il cinema francese sa essere.

E poiché si tratta pur sempre di un mistero, è giusto lasciare allo spettatore il piacere di scoprire che direzione prenderà la storia e come andrà a finire.

1956. Roberto Rossellini ha 50 anni e si trova ad attraversare una profonda crisi sia in ambito artistico che personale. Da un lato, la critica e il pubblico sembrano non aver compreso e apprezzato i suoi ultimi film; dall’altro, il suo matrimonio con Ingrid Bergman inizia a sgretolarsi, andando verso un finale già scritto. Perseguitato dai giornalisti, sommerso dai debiti, e stanco di essere incasellato unicamente come “il padre del neorealismo”, decide di accettare l’invito del primo ministro indiano Nehru e documentare la giovane nazione indipendente. Dopo aver fatto testamento, parte per Bombay con una valigia piena di spaghetti, andando in contro a quello che sarà un viaggio determinante per la sua rinascita creativa ed emotiva. Da quel momento in poi, Roberto Rossellini non smette mai di esplorare con curiosità nuove idee e nuove forme di comunicazione, facendo della sperimentazione la sua missione.

Presentato in concorso alla 20esima edizione della Festa del Cinema di Roma, dove ha vinto il Premio del Pubblico (nda. si tratta della prima volta nella storia del Festival in cui un documentario vince questo premio), “Roberto Rossellini - Più di Una Vita” è un film che ripercorre gli ultimi vent’anni del regista. Indubbiamente il periodo meno battuto da chi aveva già provato a documentare la sua vita, ma anche il più interessante, perché racconta al meglio la sua capacità di cambiare vita e rinnovarsi. Si tratta di una fase indispensabile per comprendere a pieno la sua figura: sono gli anni delle lotte, contro le etichette da lui tanto odiate, contro il sistema del cinema che non gli permetteva di essere libero, contro tutti coloro che lo davano per finito.

Spesso si parla di Rossellini, ma non sempre gli autori sono capaci di raccontare chi era davvero, la sua vera essenza. In questo caso i tre registi - Ilaria de Laurentiis, Andrea Paolo Massara e Raffaele Brunetti - sono riusciti a catturare la sua voce attraverso uno straordinario lavoro di ricerca, montaggio e scrittura, durato oltre due anni e mezzo.

Il film è composto interamente di materiali d’archivio, la cui maggior parte inedita, e si sviluppa su due linee narrative parallele: da un lato la dimensione pubblica, che viene restituita da interviste, conferenze e apparizioni televisive; dall’altro, un racconto moto più intimo, cotruito da lettere, appunti e diari di Rossellini stesso - a cui presta la voce Sergio Castellitto - e delle persone che gli sono state al suo fianco in quegli anni. È un documentario che si differenzia da tanti altri proprio per questa scelta di escludere la voce narrante esterna, nessuna “Voice of God” se non quella di Roberto Rossellini, nessun commento ddi critici ed esperti contemporanei, per dare spazio alle testimonianze dirette di chu quel periodo l’ha vissuto da vicino.

Il valore aggiunto sta anche nella scelta degli straordinari interpreti che hanno dato vita ai testi. Tra questi, spicca indubbiamente quella di Kasia Smutniak, che prestando la voce a Ingrid Bergman, si è lasciata andare completamente al racconto ed è riuscita a restituire tutte le emozioni attraverso le sue parole.

“Roberto Rossellini - Più di una vita” è un documentario necessario perché permette di ridare voce alle parole di Rossellini, che ancora oggi risultano avanguardistiche e illuminanti. È un film da cui farsi ispirare, destinato a chiunque ami il cinema, a chi vuole raccontare una storia, attraverso qualsiasi mezzo, ma anche per chi pensa di aver perso la strada o non si sente compreso.

“Io credo che la gente non abbia mai davvero capito i tuoi film. Forse erano troppo originali.” – Isabella Rossellini

Ed è così che Isabella Rossellini con i suoi 7 minuti e 51 secondi di screentime ha conquistato il pubblico in sala alla Festa del Cinema di Roma e ora, con una nomination ai Golden Globes, sembra che abbia buone probabilità di conquistare anche l'Academy, portando a casa quella che sarebbe la sua prima nomination agli Oscar. Se è vero che il pochissimo minutaggio potrebbe essere uno svantaggio, specialmente se messo a confronto con la media di quello delle candidate a questo premio negli ultimi anni, è giusto ricordare che in fondo la categoria Miglior attrice non protagonista nasce per premiare esattamente questo tipo di interpretazioni e non sarebbe la performance più breve a ricevere questo riconoscimento.

Sorella Agnes è un personaggio che lascia parlare lo sguardo, una presenza stoica che osserva e ascolta, e che, con i suoi silenzi, intriga e affascina. Questa figura è il simbolo del femminile in un contesto dominato dagli uomini, una forza invisibile che, pur restando in disparte, diventa portavoce del cambiamento. Solitamente, per rappresentare una persona autorevole, si utilizzano molte parole o gesti forti, ma Isabella Rossellini ha accolto la sfida, si è lasciata ispirare dagli anni in cui ha frequentato la scuola dalle suore a Roma, e ha portato in scena un personaggio che riesce a trasmettere la propria autorità senza aver bisogno di grandi dialoghi. L'unica eccezione al suo enigmatico silenzio è il suo breve, ma incredibilmente intenso ed efficace, monologo che lascia i cardinali senza parole, e che, durante la visione del film, è stato accolto dal pubblico in sala con un applauso carico di entusiasmo.

Lo scorso 26 ottobre ho potuto assistere all'anteprima italiana di Conclave, in presenza del regista Edward Berger, dello sceneggiatore Peter Straug e dei protagonisti Ralph Fiennes e Sergio Castellito. Sono trascorsi quasi due mesi, ma io ancora non riesco a smettere di pensare a questo film.

Il mondo del cinema non è nuovo al racconto dei retroscena delle elezioni papali: è impossibile non pensare a Habemus Papam di Nanni Moretti, con uno straordinario Michel Piccoli in fuga dal papato e quell'iconica scena dei cardinali che giocano a pallavolo. In questa storia, l'accento della narrazione si sposta sul genere thriller, garantito dalla sua matrice letteraria del racconto, anche se non mancano i momenti in cui la tensione viene smorzata da qualche nota di arguta ironia.

Tratto dall'omonimo bestseller di Robert Harris (2016) e sceneggiato da Peter Straughan in collaborazione con lo stesso autore, il film si apre con la morte di un Papa molto amato. L'evento fa convergere a Roma i cardinali provenienti da tutto il mondo, con il compito di eleggere il nuovo capo della Chiesa cattolica. Chiusi tra le mura del Vaticano, scoprono presto che il defunto Pontefice nascondeva un segreto riguardante uno o più tra i candidati alla successione al papato. Il cardinale decano Thomas Lawrence (Ralph Fiennes) si trova quindi a svolgere il compito di organizzare un conclave tra imbrogli, traffici e cospirazioni, mentre i favoriti alla nomina papale si muovono con ogni mezzo per conquistare i voti degli altri cardinali.

Non mi addentrerò in dettagli di trama perché questo è un film da cui farsi sorprendere, un colpo di scena dopo l'altro. Nonostante una partenza che sembra andare un po' a rilento, ma comunque necessaria, la storia non perde tempo e recupera subito il ritmo, che per tutta la pellicola viene scandito dalla colonna sonora, composta dal premio Oscar Volker Bertelmann.

In una mosaico straordinario di voci e volti, al fianco della Sorella Agnes di Isabella Rossellini e del decano Thomas Lawrence di Ralph Fiennes, tra gli altri protagonisti di questo gioco di intrighi e tradimenti, troviamo il cardinale Bellini (Stanley Tucci), dalle vedute progressiste e in linea con il defunto Pontefice, il cardinale Tedesco (Sergio Castellitto), tradizionalista e bigotto che crede che le aperture progressiste abbiano indebolito la Chiesa, il cardinale Tremblay (John Lithgow), moderatamente conservatore ma ambizioso e potenzialmente corrotto, il cardinale Adeyemi (Lucian Msamati), che aspira a diventare il primo Papa africano della storia, e per finire, il cardinale Benitez (Carlos Diehz), nominato dal Papa poco prima della sua morte, che appare impervio alle alleanze.

In un film in cui la maggior parte dei personaggi veste abiti identici, la costumista Lisy Christl è riuscita a mettere in evidenza le differenze nel modo in cui i cardinali indossano la tonaca, prestando particolare attenzione ai dettagli come le croci, gli anelli, le scarpe e i soprabiti, che raccontano molto delle singole personalità.

Il rosso porpora degli abiti cardinalizi squarcia la tela della gelida, quasi documentaristica, fotografia di Stéphane Fontaine. Il direttore della cinematografia ha lavorato insieme alla set designer, Suzie Davies, per portare attraverso le immagini l'equilibrio che sta al centro della narrazione di questo film: luce e buio, femminile e maschile, contemporaneo e tradizionale, onestà e bugie.

Conclave è un film ricco di contrasti, messi in evidenza dal marmo bianco delle architetture sontuose e rigorose del Vaticano e dal nero asettico e claustrofobico dei dormitori. Ricostruite interamente negli studi di Cinecittà, la Cappella Sistina e la Casa Santa Marta rappresentano i poli opposti di questo dualismo.

Non è un mistero il fatto che il Vaticano proibisca le riprese all'interno della Cappella Sistina, per cui il team della scenografia ha fatto un lavoro straordinario, ricostruendone fedelmente i dettagli, dalla pavimentazione alla riverniciatura, fino alle moquette, compresi gli affreschi.

La Reggia di Caserta, già protagonista di Angels and Demons (2016, Ron Howard) e The Two Popes (2018, Fernando Meirelles), ancora una volta è diventata il set delle riprese ambientate nel Vaticano, anche grazie alla sua sintesi perfetta tra il rigore classico e la scenografia teatrale barocca.

In contrapposizione alla luce e alla libertà trasmesse dalle immagini della Cappella Sistina, la versione cinematografica della Casa Santa Marta, residenza dei preti durante il Conclave, è stata costruita con l'intenzione di sembrare una prigione signorile. Gli spazi chiusi, il rumore delle luci a neon e i lunghi corridoi amplificano il senso di claustrofobia che si sposa alla perfezione con la suspense.

La macchina da presa non abbandona mai i protagonisti, in particolar modo il decano Thomas Lawrence, che diventa gli occhi dello spettatore e lo accompagna in questo viaggio introspettivo attraverso il dubbio. La camera lo segue da vicino e, in ogni tappa del percorso, una rivelazione dopo l'altra offre il suo punto di vista e le sue sensazioni su questa partita a scacchi in cui si trova a partecipare contemporaneamente come giocatore e pedina. È un gioco in cui la mossa di ogni partecipante è calibrata con strategia per raggiungere l'obiettivo finale: il potere. Conclave è dunque un thriller politico a tutti gli effetti e l'ambientazione ecclesiastica offre un contesto inedito in cui raccontare le lotte per la conquista di una leadership vacante, ma è anche un pretesto per mostrare l'umanità e le sue debolezze.

Una storia incredibilmente avvincente che offre anche interessanti spunti di riflessione sulla natura umana, insieme a un cast straordinario e una forte narrazione visiva, diventa un mix vincente che fa credere che questo film sarà tra i favoriti nella prossima Award Season.

Non mi resta che augurarvi un buon Conclave.